“Día de la Divulgación«
Se siente casi extraño llamar Steven SpielbergEl “Día de la Divulgación” es un regreso al primer contacto, aunque sólo sea porque la película está menos interesada en la simple pregunta de si estamos solos que en la continuación más aterradora: ¿qué sucede cuando llega la respuesta y la humanidad está demasiado dividida, paranoica y rota institucionalmente para asimilarla? trabajando de nuevo con David KoppSpielberg imagina un mundo que ya está al borde del colapso, donde un secreto extraterrestre enterrado amenaza con detonar cada frágil suposición que mantiene unida a la civilización. El marco de persecución es bastante simple: Dr. Daniel Kellner (josh o’connor), un experto en ciberseguridad, ha robado pruebas de visitas extraterrestres de WARDEX, una agencia militar-industrial clandestina decidida a mantener la verdad bajo llave. Noé Scanlon (Colin Firth) cree que la divulgación destruiría la sociedad; Hugo Wakefield (Colman Domingo) cree lo contrario; y Margaret Fairchild (Emily Blunt), un presentador del tiempo que repentinamente despierta a algo vasto e incognoscible, se convierte en la clave emocional y metafísica de la película. Lo que hace que “Disclosure Day” sea tan abrumador no es sólo el dominio sobrenatural del suspense de Spielberg, aunque hay secuencias de persecución que avergonzarían a cineastas de la mitad de su edad. Es la forma en que la película combina el terror, la fe, la empatía y el asombro cósmico en la misma pregunta temblorosa. En manos menores, esto podría haber sido un elegante thriller ovni sobre encubrimientos y metraje clasificado. En Spielberg, se convierte en una petición de compasión en una era de desconfianza, una película que trata lo desconocido no como un evento de extinción, sino como una prueba moral. Ese “Día de la Divulgación” todavía cree que la humanidad podría pasarlo es parte de lo que lo hace tan conmovedor. – RP
“Tolvas«
pixar Es posible que nunca supere su trayectoria revolucionaria desde principios hasta finales de la década de 2000: si bien “Toy Story 5” marcó claramente una especie de regreso, la noción de que el estudio produzca una obra de genio animado tan sombría como “WALL-E”, o incluso una tan devastadora como “Toy Story 2”, es difícil de comprender ahora. El otrora imparable gigante ha estado en un período de sequía en los últimos años, después de que una serie de ofertas regulares arrojaran retornos decrecientes de una marca cuyo mayor atractivo de venta solía ser la consistencia. Por otra parte, tal vez no haya razón para preocuparse, porque algo como la encantadora vuelta a lo básico “Hoppers” es justo lo que Pixar necesita para volver a encarrilarse creativamente (una recaudación total de taquilla de poco menos de $400 millones de dólares sugiere que estas películas todavía tienen mucho jugo en el tanque). Mientras que las películas de Pixar de nivel inferior como “Elemental” e “Inside Out 2” se estancan en historias y construcciones de mundos superfluas, “Hoppers” se contenta con llegar directamente al medio. Es una aventura dulce e inusualmente divertida sobre una niña llamada Mabel que, por razones demasiado estúpidas y demasiado complicadas para explicarlas aquí, transfiere su conciencia al cuerpo de un castor robótico. Desde aquí, Mabel, en el cuerpo de dicho castor, se aventura en el bosque, donde se hace amiga de una serie de amigos castores liderados por un alegre monarca con la voz de Bobby Moynihan. ¿Mencionamos que la segunda mitad de la película se desarrolla como un levantamiento de los castores contra el alcalde de Beaverton (con la voz nada menos que de Jon Hamm), cuyos planes para expandir una nueva circunvalación destruirán el hábitat natural de los animales? Es cierto que “Hoppers” viene con un buen mensaje para enviar a los niños a casa: que, si bien no todas las personas pueden ser fundamentalmente buenas, es importante luchar por un futuro en el que las buenas personas puedan sentirse envalentonadas, pero su atractivo como joya de Pixar al final de su carrera radica en su aceptación de la pura tontería. – Holanda
“Patadas al final de la milla«
Si tienes la edad suficiente para recordar cuando American Apparel era el uniforme no oficial del movimiento indie sórdido, pero lo suficientemente joven para apreciar un conjunto que incluye a un miembro del elenco de «Euforia” y otro de “Diario de un niño debilucho”, es posible que esté en el grupo demográfico objetivo de “Mile End Kicks” Chandler Levackes el recuerdo ingenioso y tremendamente cálido del interminable verano de una periodista musical en medio del auge del indie rock de Montreal a mediados de los años. El segundo largometraje, decididamente autobiográfico, de Levack es la continuación de la encantadora e igualmente confesional “Me encantan las películas«, una comedia negra de corazón tierno sobre un cinéfilo de 17 años socialmente inepto cuyo viaje hacia el crecimiento personal encuentra algunos obstáculos en el camino. Este es el segundo largometraje de Levack de 2026, junto con la comedia universitaria obscena dirigida por mujeres «Compañeros de cuarto«; que ella puede equilibrar lo atractivo, Cameron Crowe-tono endeudado de “Mile End Kicks” con las exigencias de montar una producción de Happy Madison para netflix sólo ofrece una prueba continua de su versatilidad. Los ritmos de la trama de la segunda salida de Levack pueden resultarle familiares a cualquiera que haya visto «frances ha» o Lena Dunham‘s «Chicas” – una joven emocionalmente inteligente propensa a tomar malas decisiones se muda a un nuevo departamento, sale con algunos hombres lamentables y se pierde brevemente antes de redescubrir su alegría de vivir – pero la comedia ganadora de segundo año de Levack compensa lo que le puede faltar en el incidente con la riqueza de la experiencia vivida y una autenticidad que no se puede fingir. – Holanda
“Obsesión«
Todo ese oso (Michael Johnston) quiere en la vida es para su compañera de trabajo Nikki (Inde Navarrete) para agradarle, y no en una forma de “te tolero cuando estamos en el trabajo”. Bear está enfermizamente hiperobsesionado con Nikki, aunque teme que su obsesión romántica (oye, ahí está el título) pueda ser completamente unilateral. Cuando Bear compra un One Wish Willow en una tienda de regalos local, sus siniestros poderes obligan a la chica de sus sueños a enamorarse inmediata y agresivamente de él. Este debería ser el sueño de Bear hecho realidad; entonces, ¿por qué se desarrolla como una pesadilla viviente? Indique los gatos muertos, los aplastamientos de cráneos y las sonrisas que erizan la piel. Ladrón de curry“Obsession”, posiblemente la gran historia de éxito de taquilla de 2026 hasta ahora, es una película que interpreta a su audiencia sin piedad y sin piedad. Este éxito de terror desbocado funciona tan maravillosamente precisamente porque es una declaración genuinamente incisiva sobre la emoción de querer algo versus la decepción de vivir con ello (y sí, también es una condena del derecho de los incel a ser buenos chicos). El enamoramiento es adictivo porque existe en gran medida en la imaginación de los enamorados. Una vez que se enfrenta a la compleja realidad de aceptar a otro ser humano, un debilucho inexperto como Bear está destinado a doblarse como si fuera ropa sucia. Como indicarían los descriptores mencionados anteriormente, “Obsession” no es para personas aprensivas. Aún así, la ruptura de Barker nunca se siente sádica en sí misma: Bear simplemente está obteniendo exactamente lo que deseaba. Lo que es innegable es que Navarette ofrece una de las actuaciones más impactantes y estelares de 2026 hasta el momento: un giro galvánico que realmente le otorga el calificativo de “valiente”. – Holanda
“Trastiendas«
El horror en Internet rara vez está diseñado para durar. Su hábitat natural es el fugaz vistazo digital: una imagen maldita, unos segundos de geometría imposible, la sugerencia de que la realidad tiene una costura y algo terrible zumba más allá de ella. Eso es lo que hace Kane Parsons‘ “Backrooms” es un logro tan sorprendente. En lugar de inflar la mitología creepypasta hasta convertirla en una tradición vacía, Parsons convierte los infinitos pasillos amarillos y los purgatorios fluorescentes del fenómeno en la arquitectura de una mente rota. Ambientada a principios de la década de 1990, la película se centra en Clark (Chiwetel Ejiofor), un hombre amargado y divorciado que tiene un trabajo sin futuro en un almacén de muebles y todavía alberga resentimientos por la vida que cree que le arrebataron. Su terapeuta, la Dra. Mary Kline (Renate Reinsvé), intenta sacarlo de sus bucles de resentimiento y autojustificación, pero el deseo de Clark de escapar resulta más seductor que cualquier camino hacia la curación. Cuando se abre una puerta oculta dentro del almacén, revelando un incesante laberinto de oficinas ilógicas, pasillos cambiantes, zumbidos eléctricos y espacios malformados, “Backrooms” se convierte en más que una máquina de pesadilla montada por expertos. Se convierte en una tragedia de salud mental sobre la memoria, la soledad, la parálisis emocional y el peligroso consuelo de retirarse a su propia versión distorsionada de los acontecimientos. Parsons, que de alguna manera solo tiene 20 años, muestra un dominio inquietantemente maduro del sonido, el terror espacial y la atmósfera, negándose a explicar demasiado la mitología o aplanar a los monstruos en metáforas fáciles. Ejiofor y Reinsve mantienen la película emocionalmente arraigada incluso cuando la realidad se derrumba a su alrededor. Lo que podría haber sido comida chatarra desechable de terror en Internet emerge como uno de los debuts más inquietantes del año: una película sobre confundir el aislamiento con un refugio y perderse dentro del laberinto que construiste para sobrevivir. – RP
