Después del daño ayer en Palazzo Maffei a la «Silla Van Gogh», completamente cubierta de cristales de Swarovski, volvemos al trabajo de Nicola Bolla y el papel central que juega el material en su poética de Vanitas.
Ayer, 12 de junio de 2025, en elPalacio Maffei en Veronaun incidente reavé el debate sobre el valor y la fragilidad del arte contemporáneo: dos visitantes aprovecharon la ausencia momentánea del personal de seguridad para fotografiarse sentados sobre el «Van Gogh« silla creado por Nicola bollacubierto en cientos de Cristales de swarovski (Puedes leer sobre eso aquí). El resultado es un daño extenso a un trabajo que encarna completamente el contraste entre la apariencia y la sustancia.
El museo lanzó el video del incidente y enfatizó la importancia de proteger las obras al anunciar la recuperación del artefacto. El evento, indicativo de la relación complicada que el público tiene con ciertos objetos de arte contemporáneo, se presenta como una oportunidad para reflexionar sobre la importancia de las obras de Nicola Bolla (aquí hay un largo artículo de Federico Giannini sobre la práctica artística de Bolla), un artista de piedmontese nacido en 1963, escultor conceptual y surgeón ocular por profesión.
Bolla nació en Saluzzo, en la provincia de Cuneo, en un contexto familiar ya lleno de arte. Su padre, Piero Bolla, es un pintor; Su madre, Silvia Aimone, una diseñadora. Su sensibilidad óptica e interés en dibujar así se manifestaron desde una edad temprana. En la década de 1980, siguió los pasos de su padre y comenzó a dedicarse a cuadroque desde 1984 ha asumido un papel constante en su camino personal y profesional. Al mismo tiempo, continuó sus estudios en medicina, especializándose en oftalmología (una rama de la medicina que trata sobre la prevención y el tratamiento del aparato visual): la identidad dual, la del médico y el artista, sigue siendo una constante en su perfil y contribuye a consolidar una práctica autónoma, libre de la lógica del mercado. En este sentido, el arte para Bolla se presenta como un en capasirónico, pop idiomaque comienza desde la tradición figurativa para reinterpretarla a través de materiales inesperados. A partir de la década de 1990, comenzó a crear obras que encuentren inspiración en el Wonder Chambersel cámaras demaravillas de la tradición barroca, en la que coexistieron los objetos naturales, artificiales, reliquias, elementos exóticos y domésticos.
En todo esto, su enfoque nunca es citante: en su práctica artística, el elemento es reelaborado, desmontado y luego reconfigurado de acuerdo con una estética contemporánea que juega en el contraste entre la forma y el contenido. En 1997 creó una de sus obras más conocidas: un cráneo completamente cubierto con Cristales de swarovskicon derecho Cráneo. El trabajo anticipa Damien Hirst‘s Por el amor de Dios En diez años, que se ha vuelto emblemático de la relación entre el arte y el mercado. Pero si Hirst insiste en el valor económico y la ostentación del lujo, Bolla emplea cristal en una lectura más conceptual y decididamente diferente. El elemento cristal no es un símbolo de estado. Se ve más como un medio para representar la ilusión de valor, la ambigüedad entre la apariencia y la sustancia. Swarovski, de hecho, es vidrio fundamental, imitando el diamante sin poseer sus propiedades. Es luz reflejada, por lo tanto, efímera, inestable, nunca completamente comprensible. Su elección marca un punto de inflexión en la poética del artista: desde entonces se ha convertido en un material recurrente en instalaciones, esculturas y objetos. Es la herramienta perfecta para encarnar el Memento Mori, el contemporáneo vanidad: Brillante, seductor, pero al mismo tiempo vacío, como la promesa de lujo que, en verdad, nunca es auténtica. Además, Crystal trae consigo una fisicalidad ambigua: parece sólido pero se desmorona fácilmente, se impone en el ojo pero no tiene peso.
Mediante el uso de Swarovski Crystal, Bolla trae una reflexión sobre el transiencia de la existencia. Sus obras encajan en el ritmo de barroco vanidad Pero actualice su léxico. Ya no se refieren a cráneos, relojes de arena y flores marchitas pintadas en aceite, sino que son objetos cotidianos, herramientas cotidianas transfiguradas por una pátina de luz. La ironía es sutil pero central. Son elementos relacionados con el uso, para funcionar que pierden peso y consistencia para convertirse en figuras estéticas, engañosas e inutilizables. En este sentido, Bolla decide desestabilizar y jugar con ambivalencia. Sus esculturas parecen preciosas pero son débiles, parecen monumentales pero son evanescentes. La luz, un elemento constitutivo de su trabajo, es en sí mismo un tema: cruza las superficies, las fragmenta, disuelve sus contornos. Como el tiempo y como la memoria. En la década de 2000, Bolla expande su registro formal. Las instalaciones se vuelven más articuladas, a menudo específicas del sitio. Uno de los más conocidos es El sueño de Orfeodesde 2009. Paralelo a la escultura, Bolla persigue una investigación pictórica menos expuesta pero igualmente consistente. Estamos hablando dePigmento Pinturas, Obras hechas con pigmentos puros, a menudo manipulados directamente en la superficie, sin medios o soportes canónicos.
El color se convierte en materia viva y desencadena una conexión con la luz que idealmente continúa la de las obras tridimensionales. En este sentido, podríamos definir la pintura de Bolla como un campo visual y conceptual en el que se enfrentan la profundidad y el artificio. Por lo tanto, el trabajo se produce en relación con una necesidad interna, una urgencia expresiva que surge de la doble perspectiva, clínica y poética. La medicina le ha enseñado a observar, a medir, a operar en el cuerpo con precisión. El arte, por otro lado, le permite construir un discurso paralelo, hecho de alusión y capas. Sus obras quieren desactivar. Invocan la belleza para negarla, atraen la mirada para socavarla. En esta tensión constante, aquí se encuentra la esencia Bolla: una práctica artística consistente con su ser y autónomo.
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