5 canciones que toda generación X necesita para su lista de reproducción de vacaciones

Podría decirse que la Generación X se asocia más a menudo con el giro cínico hacia el grunge a principios de la década de 1990, junto con otros sonidos alienados como el shoegaze. Pero la música que este grupo hacía y consumía también podía ser alegre y optimista, incluso si las canciones a menudo contenían una sensación de ironía o desapego. Para este artículo, hemos seleccionado cinco éxitos nostálgicos de la Generación X que encajarían perfectamente en cualquier lista de reproducción de vacaciones, ya sea que vayas de viaje por carretera, te relajes en la piscina o busques una banda sonora divertida para tu próxima escapada a la ciudad.

La música de la Generación X es diversa y esta lista intenta abordar las principales fuerzas estilísticas que estuvieron en funcionamiento cuando esta generación alcanzó la mayoría de edad. Toca punk, new wave, pop, house y hip-hop para crear el paquete inicial de lista de reproducción de vacaciones Gen X que te llevará a ese estado mental relajado y sin preocupaciones. Disfrutar.

The Clash es una de las bandas definitorias del movimiento punk. Durante su carrera, desde mediados de los 70 hasta mediados de los 80, The Clash transformó el otrora purista género en un amplio espectro, abarcando una amplia gama de influencias, desde el reggae hasta el rockabilly y el funk.

Pero «Rock the Casbah» de 1982 muestra a The Clash abrazando el instinto de la nueva ola de combinar la energía punk con el pegadizo pop, lo que llevó al mayor éxito de la banda. La pista bailable, que alcanzó el puesto número 8 en el Billboard Hot 100 en enero de 1983, fue escrita principalmente por el baterista de la banda, Topper Headon, quien creó las partes de piano, batería y bajo antes de que el vocalista principal Joe Strummer interviniera con algunas letras satíricas y con carga política.

Inspirado por los informes de que el gobierno iraní había decretado que la propiedad de la música occidental debía recibir castigos corporales en el país, Strummer escribió algunas palabras desafiantes que sugerían que la mejor forma de resistencia era hacer que comenzara la fiesta. Y por cierto, el ritmo contagioso de «Rock the Casbah» te deja indefenso al mover los pies, tal vez tenía razón.

Cuando De La Soul irrumpió en la escena del hip-hop a fines de la década de 1980, el look hippie y luminoso del grupo también fue un acto de desafío. Cuando el trío surgió por primera vez, el género en ciernes estaba dominado por el rap duro y de gánsteres, con un nuevo énfasis en temas nihilistas y consumistas. La estética de De La actuó en contrapunto a eso: un enfoque afrocéntrico que en cambio enfatizaba la importancia de la autenticidad y la autoexpresión.

«Me, Myself & I» es una especie de manifiesto para el grupo, y el rapero Posdnuos le dijo más tarde a Vibe: «La prensa se refería a nosotros como los hippies del hip-hop… Esta canción se convirtió en una forma de expresar que esto no era un truco y que estábamos siendo nosotros mismos. Por eso en mi primer verso digo: ‘Dices que Plug 1 y 2 son hippies, no, no lo somos, eso es puro Plug bull'».

Producida por Prince Paul, «Me, Myself and I» presenta una agradable muestra de «(Not Just) Knee Deep» de Funkadelic, que le da a la pista su ritmo contagioso. A pesar de la animosidad en ese momento por parte de algunos rincones de la comunidad hip-hop, la canción entró en el Top 40 del Billboard Hot 100 en 1989 y ahora se considera uno de los clásicos de la discografía de De La Soul. Pruébalo y déjate transportar a una época más inocente.

Parece imposible que la institución pionera del synth-pop New Order pudiera haber surgido de las cenizas de Joy Division, el fascinante y sombrío grupo post-punk que tristemente llegó a su fin con la muerte del líder Ian Curtis en 1980. Pero en 1981, los miembros supervivientes se habían reagrupado bajo su nuevo nombre. A pesar de las críticas de que los primeros lanzamientos de New Order eran demasiado similares al trabajo de la banda anterior, en 1983, New Order había dado un giro suficiente a la izquierda para lanzar «Blue Monday», una canción que sonaba como nada más que habían producido juntos hasta el momento.

La canción comienza con una introducción icónica de batería electrónica, antes de que las teclas y el bajo suenen para crear un ritmo adyacente al funk repleto de efectos de sonido y rellenos inesperados. «¿Cómo se siente / Tratarme como tú lo haces?» opina el líder Bernard Sumner, para darle a la instrumentación robótica un toque de acidez demasiado humano. Es una combinación ganadora y, además de ser un éxito en las listas del Reino Unido entre el público comprador de discos, se convirtió en un éxito entre los DJ, que lo convirtieron en el disco de 12 pulgadas más vendido en la historia británica.

Sólo un éxito durmiente en los EE. UU. en el momento de su lanzamiento, aunque recibió un remix en 1988 gracias nada menos que a Quincy Jones, «Blue Monday» es ahora uno de los mayores rellenos de pistas de baile del synth-pop, y con cientos de millones de reproducciones en todo el mundo continúa encontrando nuevas audiencias. Aunque la canción tiene un factor de nostalgia adicional para muchos miembros de la Generación X, sea cual sea la edad de las personas con las que viajas, seguramente será una adición bienvenida a la lista de reproducción.

Los primeros años de la década de 1990 fueron una época divertida para muchos oyentes de música, que disfrutaron del sonido novedoso de nuevas e innovadoras mezclas de géneros. Tal fue el caso de «Groove is in the Heart», un magnífico cruce de house y hip-hop que sigue siendo una de las canciones más nostálgicas y evocadoras de la década.

Deee-Lite surgió de la escena de clubes de Nueva York a finales de la década de 1980, con los DJ Dmitri y Towa Tei creando instrumentos diversos y caleidoscópicos para que la conmovedora Lady Miss Kier interpretara su enérgica voz. Fue una mezcla embriagadora, que alcanzó su apoteosis en su canción característica, que también incluía un verso de Q-Tip de A Tribe Called Quest.

«Groove is in the Heart» llegó a la cima de las canciones de clubes de baile de Billboard en septiembre de 1990, y desde entonces ha seguido siendo un elemento básico querido en fiestas alegres y noches de clubes. Es una pista con la que no puedes evitar relajarte, además de un recordatorio del optimismo que sustenta gran parte de la década de 1990.

El grupo femenino británico Bananarama había causado un gran revuelo en su país de origen casi inmediatamente después de que se formara el trío en 1980. Pero fue «Cruel Summer» de 1983, un éxito Top 10 en ambos lados del Atlántico, lo que convirtió a Sara Dallin, Siobhan Fahey y Keren Woodward en estrellas internacionales como intérpretes de un himno atemporal del verano.

«Cruel Summer» fue escrito en colaboración con los productores de Bananarama, Steve Jolley y Tony Swain, y está construido alrededor de una línea de bajo funk silenciadora y baterías contundentes que suenan especialmente a los 80 cuando se escuchan hoy, aumentando el factor nostalgia. La letra, cantada al unísono por los tres miembros de la banda, está escrita desde el punto de vista de un narrador que tiene que quedarse a trabajar durante el verano mientras su amante se va de vacaciones dejándolos atrás.

La canción evoca imágenes de los cálidos meses de verano incluso si no compartes la visión hastiada del narrador sobre la temporada, y es especialmente evocadora para aquellos que recuerdan que subió en las listas después de su lanzamiento en junio de 1983. Ha habido varias versiones notables a lo largo de los años, y Bananarama ha regrabado la canción varias veces, la más reciente para conmemorar su 40 aniversario, pero nada se compara con la apasionante diversión veraniega del original.