‘Marty Supreme, ‘Song Sung Blue’ y más en los cines para Navidad: NPR

Un estafador de ping pong de todos los tiempos, un intérprete de Neil Diamond de los años 80, música coral tanto cómica como espiritual, además de adolescentes atormentados, familias retorcidas y una serpiente gigante suelta. Son unas vacaciones bastante alegres en el cine local.

Se unen a una nueva Avatar secuela, un drama dirigido por Bradley Cooper y más en cines.

marty supremo

En cines el jueves

Siento que debería decirle que lea rápidamente esta reseña, preferiblemente con «The Fat Man» de Fats Domino a todo volumen en su oído. La loca comedia cargada de adrenalina de Josh Safdie sobre un estafador de tenis de mesa que sueña con dominar el mundo, en un deporte que aún no ha sido registrado entre el público estadounidense, es un fascinante tour de force cinematográfico. Timothée Chalamet interpreta a Marty Mauser (basado libremente en el campeón de ping pong estadounidense y delincuente de poca monta de la vida real de los años 1940 y 1950, Marty Reisman), que se gradúa de un niño decidido y apasionado a un agraviado que también corre en modo de colapso total, atrayendo y luego alienando a todos los que se encuentra. Lo conocemos como un vendedor de zapatos de Nueva York que tiene citas en la despensa con su novia casada de la infancia (Odessa A’zion) y se prepara para una pelea en Inglaterra para la cual ni siquiera puede pagar el pasaje de avión.

Marty demuestra con una serie de atracos y estafas que no tiene ningún problema en hacer trampa o robar para llegar allí, luego deleita a la prensa con una rutina racista belicosa que lo lleva a las portadas antes de su primer servicio. El enfoque de Chalamet es perfectamente contrarrestado por un giro serenamente sensual de Gwyneth Paltrow como una estrella de cine envejecida que encuentra a Marty divertido y alarmante aproximadamente en igual medida. Y la película recién comienza en ese punto, avanzando hacia un campeonato en Japón con la sensación propulsora, desgarradora y precipitada de juzgar de Safdie. Gemas sin cortar mezclado con una comedia vertiginosa. Es un viaje emocionante, puro y simple. —Bob Mondello

Canción cantada azul

En cines el jueves

Mike y Claire Sardina, la pareja de obreros de Milwaukee de la vida real que formó un acto tributo a Neil Diamond en la década de 1980, reciben el tratamiento de lentejuelas y lentejuelas en este festival de amor de Hugh Jackman y Kate Hudson. El escritor y director Craig Brewer mantiene la música central y el sentimiento tolerable mientras la pareja se encuentra linda, se une rápidamente y forma un acto musical conocido profesionalmente como Lightning and Thunder. Las estrellas están bien combinadas y son atractivas: Hudson hace una personificación ganadora de Patsy Cline, y Jackman logra perfectamente el sonido y el porte de Neil Diamond. La historia de la pareja, que tiene más altibajos que altibajos, no coincide del todo con el tono de una película decidida a ser siempre positiva. Aún así, las estrellas son atractivas, el elenco secundario es muy divertido y la música apasionante. —Bob Mondello

Anaconda

En cines el jueves

el original Anaconda La película se estrenó hace casi 30 años y envió a una variedad de estrellas de cine de los 90 al Amazonas, donde fueron amenazadas y ocasionalmente aplastadas y/o devoradas por serpientes gigantes y mortales. Esa película, protagonizada por Jennifer López y Ice Cube, fue un éxito que generó un puñado de secuelas poco consideradas.

Con muchas metareferencias a la película original, la nueva Anaconda No es un reinicio, no es una secuela y se juega para reír. Jack Black y Paul Rudd interpretan a amigos de toda la vida que crecieron queriendo ser cineastas. Pero han seguido caminos profesionales diferentes: el personaje de Paul Rudd es un actor en apuros cuyo papel más importante fue un pequeño papel en el programa de televisión. APLASTARmientras que el personaje de Jack Black hace vídeos de bodas mientras anhela grabar algo más creativo. Reúnen a sus viejos amigos y colaboradores, interpretados por Thandiwe Newton y Steve Zahn, y se dirigen al Amazonas para filmar una meta reinvención de Anaconda. Como puedes imaginar, esto resulta más difícil de lo que parece. —Stephen Thompson

La plaga

En cines limitados el miércoles.

La primera imagen es una toma espeluznante bajo el agua (azules, verdes y grises salpicados de sol); su paz repentinamente explotó cuando los cuerpos se sumergieron en la piscina. Chicos de secundaria, con las extremidades en jarras, casi literalmente en el mar, mientras luchan por mantener el equilibrio. Es un buen comienzo para la historia de un joven que intenta descubrir dónde encaja entre las camarillas de un campamento de verano de waterpolo. Ben (Everett Blunck) es el novato del campamento, Jake (Kayo Martin), su chico genial y sonriente que capta las idiosincrasias de sus compañeros de campamento y las explota.

Le dice a Ben que Eli (Kenny Rasmussen), un niño retraído con un sarpullido, tiene la «plaga» y debe ser evitada. Ben, al ver el dolor obvio que sufre el marginado, no puede cuadrar eso con su propio sentido de la decencia, pero tampoco quiere ser excluido, y su intento de dividir la diferencia lleva a la película a El señor de las moscas territorio. El debut como director de Charlie Polinger parece impresionante, inquietante y utiliza hábilmente tropos de terror corporal, ya que básicamente establece que los niños de 12 años son salvajes que nunca deberían estar sin la supervisión de un adulto. —Bob Mondello

Padre Madre Hermana Hermano

En cines limitados el miércoles.

Se podría esperar que Jim Jarmusch analice las relaciones familiares con cierta excentricidad, pero no necesariamente en la forma elegantemente enmarcada que lo hace en este tríptico sobre hijos adultos y padres que no empiezan a comprender. El Padre El segmento presenta a Adam Driver y Mayim Bialik como hermanos que son rígidos entre sí y aún menos cómodos con el locuaz estafador de su padre (Tom Waits). El conductor viene con provisiones y dinero en efectivo, Bialik viene armado con una ceja arqueada y Waits está listo para ambos.

La segunda parte, Madre, encuentra a una Charlotte Rampling sublimemente fría organizando un incómodo té una vez al año para sus hijas, una remilgadamente nerviosa (Cate Blanchett), la otra peli rosa y bulliciosa (Vicky Krieps). Y el último tercio, hermana hermano, encuentra a Indya Moore y Luka Sabbat uniéndose en el apartamento ahora vacío de París de sus padres recientemente fallecidos. Este segmento parece menos sobre el distanciamiento, hasta que te das cuenta de lo poco que saben realmente sobre sus queridos difuntos. Hay chistes recurrentes sobre los Rolex, la expresión «Bob es tu tío» y brindis para unir las cosas, junto con un tono dulce y reflexivo que hace de esta una de las películas más compasivas del año. —Bob Mondello

El Coral

En cines limitados el jueves.

El director Nicholas Hytner y el guionista Alan Bennett, quienes anteriormente trabajaron juntos en La locura del rey Jorge, Los chicos de la historia, y La dama de la furgonetaestán profundizando en esta suave comedia dramática sobre un coro amateur en 1916. Cuando su director de coro se va a luchar en la Primera Guerra Mundial, el afligido propietario de la fábrica, Roger Allam, quien financia el coro, contrata de mala gana al Dr. Guthrie (Ralph Fiennes), un director de coro talentoso pero una elección divisiva en este momento intensamente nacionalista, porque ha pasado los últimos años en Alemania. También exhibe «peculiaridades» (código para ser gay), pero esto parece menos importante para los lugareños.

Fiennes desprecia enérgicamente las tradiciones locales, es sarcástico respecto del aprecio inglés por las artes y es lo suficientemente celebrado en los círculos musicales como para persuadir al compositor Edward Elgar (Simon Russell Beale) para que les permita interpretar su oratorio «El sueño de Gerontius». Elgar se emociona menos cuando descubre que el coro está convirtiendo el oratorio en una historia sobre la guerra, presentando a su anciano héroe como un joven soldado y, en general, convirtiéndolo en lo que las generaciones posteriores llamarían «relevante». Es todo dulce y sentimental, y aunque se estrena durante las temporadas de premios, parece como si realmente quisiera ser considerada como mejor película de 1933. —Bob Mondello

No hay otra opción

En cines selectos el jueves

«Lo tengo todo», dice Man-su, supervisor de la fábrica de papel, mientras abraza a su familia en una barbacoa en el patio trasero de su elegante casa coreana. Está asando unas anguilas que le regalaron los nuevos propietarios estadounidenses de la empresa papelera, sabiendo que eso debe significar que lo valoran. Al ser una sátira social del director Park Chan-wook, es razonable esperar que pronto reciba un golpe y, un día después, lo despidan. (La película está basada en la novela de suspenso y terror de 1997 de Donald E. Westlake. El hacha). Está angustiado pero no puede expresar, ni siquiera comprender realmente, que siente que ha perdido su virilidad, su encanto y su razón de ser.

Además de eso, su industria se está consolidando, por lo que encontrar otro trabajo antes de que se acabe su indemnización y pierda su casa (la casa de su infancia) será complicado. Cuando se le pregunta si consideraría un trabajo fuera de la industria del papel, Man-su (Lee Byung-hun) dice que para él «no hay otra opción», haciéndose eco de las palabras que pronunciaron sus jefes estadounidenses sobre reducir costos como lo hicieron con los despidos. Pero con el fin de las indemnizaciones por despido acercándose, trama un plan para acabar con su competencia en el mercado laboral una por una. ¿No es esto un asesinato en masa? Bueno, «no tiene otra opción».

Al principio parece que estamos en territorio de comedia de asesinos en serie, pero el cineasta amplía el marco para incluir viajes narrativos secundarios: un hijastro que roba teléfonos celulares, una hija que es un prodigio del violonchelo, una esposa que trabaja para un dentista que Man-su sospecha que tiene planes para ella. Ah, y el trauma de la granja de cerdos de su juventud y la pasión por la jardinería en invernaderos. El director Park tiene mucho que hacer, y una secuencia final de mecanización de una planta de papel sugiere que todas estas puñaladas a la agencia humana pueden haber sido el último suspiro de la humanidad. —Bob Mondello

El testamento de Ann Lee

En cines limitados el jueves.

Ambiciosa, estilizada, intensa y completamente poco ortodoxa, la película biográfica religiosa de Mona Fastvold cuenta la historia de la fundadora de los Shakers, Ann Lee (una Amanda Seyfried con los ojos desorbitados y ferozmente comprometida) como un drama musical a gran escala. Eso no quiere decir que haya melodías para chasquear los dedos. La partitura adapta los espirituales Shaker del siglo XVIII, y la coreografía involucra los movimientos de las extremidades y los dedos en garra de la danza convulsiva que le valió a esta secta puritana de cuáqueros «Shaking» su apodo.

Conocemos a Ann como una joven piadosa más interesada en asuntos espirituales que en asuntos carnales. El matrimonio con un hombre que disfruta infligir dolor durante las relaciones sexuales y la muerte de sus cuatro hijos en la infancia llevan a Ann a la conclusión de que el celibato permanente es una de las claves para la salvación. Con la ayuda de su hermano menor (Lewis Pullman), encuentra seguidores de una filosofía religiosa que también enfatiza la igualdad de género y la vida sencilla, y los lleva a fundar una comunidad utópica basada en la artesanía en Estados Unidos. La directora Fastvold y su coguionista Brady Corbet (la pareja intercambió papeles del año pasado) El brutalista) presentan el viaje espiritual de Ann en términos extáticos y musicales, que son al mismo tiempo distanciadores y… bueno, extáticos, aunque palidecen un poco en el transcurso de dos horas y cuarto. —Bob Mondello