Reseña de la película: «Frankenstein» de Del Toro – Creature Comfortless

Por Peter Keough

El monstruo casi cobra vida.

frankenstein. Dirigida por Guillermo del Toro. En Alamo Drafthouse Seaport, Kendall Square, Coolidge Corner y West Newton.

Como la niña en El espíritu de la colmena (1973) Guillermo del Toro vio cuando era niño el Frankenstein de James Whale y le cambió la vida. «Vi la resurrección de la carne, la inmaculada concepción, el éxtasis, los estigmas. Todo tenía sentido», recuerda en una entrevista con NPR. Entonces decidió que la creación del científico loco se convertiría en su «avatar personal y… mesías personal».

Esa imagen –la de un ser inocente obligado a afrontar su aislamiento y sus orígenes en un mundo de dolor y crueldad– brillaría en sus mejores películas, especialmente en su obra maestra. El laberinto del fauno (2006).

Pero no tanto en su propia nueva versión de la película original.

Es, como otras realizaciones de sueños cinematográficos de larga data, alternativamente magnífica, deslumbrante, provocativa, sobreproducida, agotadora y fatua.

Hay que reconocer que, a diferencia de la mayoría de las otras adaptaciones de la novela de Mary Shelley de 1818 (una especie de excepción es la versión de Kenneth Branagh de 1994), del Toro aborda la estructura de múltiples capas de la novela. Al igual que el libro, la película comienza cerca del final; en este caso, como dice el título, “El norte más lejano, 1857”. Al igual que la desafortunada expedición Shackleton, el barco real danés Horizonte ha quedado atrapado en el hielo en su intento de llegar al Polo. Los amotinamientos de la tripulación son interrumpidos por una explosión lejana y descubren en la escena a Victor Frankenstein (Oscar Isaac, en una elegante actuación byronesca y extravagante) herido.

Un aterrador bramido en la distancia señala el acercamiento de un retornado parecido a Grendel que, en su persecución de Frankenstein, despacha a media docena de miembros de la tripulación antes de que el Capitán grite en un momento quizás involuntariamente cómico: «¡Tráeme el trabuco!». Expulsa a la criatura de la cubierta pero, como Terminator, sigue avanzando. Con la última ronda, el Capitán hace un agujero en el hielo, que se abre y se traga al monstruo.

Mientras tanto, el muy maltratado Víctor cuenta su historia (uno pensaría que aceleraría el ritmo después de que el equipo viera a la criatura, todavía viva y enojada como el infierno, dando vueltas afuera). Esta versión difiere significativamente del original de Shelley y las imágenes cambian de los paisajes helados de un lienzo de Caspar David Friedrich a la opulencia de colores vívidos de un palacio estilo Versalles (lo que plantea la pregunta: ¿qué país es este y qué período?) donde Frankenstein está siendo criado por su severo padre, cirujano napoleónico (Charles Dance) y su angelical madre vestida de rojo (Mia Goth). Su draconiano padre lo golpea con una vara cuando arruina sus lecciones de anatomía y su amada madre muere al dar a luz al despreocupado e irresponsable hermano William (Felix Kammerer), quien se convierte en el favorito de su padre. Con este complejo edípico trasfondo, no es de extrañar que Víctor quiera poner fin a la muerte creando una criatura humanoide a partir de partes de criminales ejecutados animados por tecnología pseudocientífica steampunk.

Para ello tiene la suerte de conocer a Henrich Harlander (Christoph Waltz), un comerciante de armas fabulosamente rico que se gana la vida con la guerra de Crimea. Puede ofrecerle a Víctor financiación ilimitada y un suministro interminable de cadáveres. También instala a Víctor en un castillo con torres fálicas que se encuentra entre los diseños de escenarios que superan en opulencia, rareza y horror ctónico a algunos de los mejores trabajos de HR Giger y Anton Furst. Me gustó especialmente el esfínter de mármol gigante en el laboratorio superior, una característica que demuestra el principio chejoviano de que si tienes un esfínter de mármol gigante al comienzo de una película, alguien tiene que ser expulsado a través de él al final.

Pero, más concretamente, Harlander encarna el tema de Del Toro del culto a la muerte del capitalismo, con oligarcas haciendo fortunas mediante el asesinato y la destrucción para financiar tecnología que les proporcionará la vida eterna. Para hacer este punto aún más explícito está Elizabeth (¡interpretada también por Mia Goth!), la límpidamente hermosa y radiantemente vestida sobrina de Harlander (Klimt a través de Vermeer) y prometida de William, quien regaña a Víctor sobre el tema. No es de extrañar que los dos se llevaran bien (William no parece darse cuenta), un poco de perverso pañuelo que agrega un giro marxista al subtexto freudiano de la película. En este punto, la película empezó a recordarme la adaptación de Yorgos Lanthimos de la película de Alasdair Gray. Pobres cosas (2023), Otra historia tipo Frankenstein abrumada por imágenes sobrecargadas e ideas poco pensadas.

Hablando de Freud, ¿qué pasa con la criatura (Jacob Elordi)? Es un buen tipo, en realidad, cuando lo conoces. Creo que esta es la única adaptación cinematográfica que permite a la criatura contar su historia, como lo hace Shelley en el original. Al principio, dado que esta reiteración tiene lugar aproximadamente una hora y media después, la primera respuesta de uno podría ser cansancio. Pero resulta que vale la pena la espera, la única parte con patetismo y terror genuinos, que se basa más intensamente en la respuesta primaria que el propio Del Toro tuvo cuando era niño cuando vio por primera vez la versión de James Whale.

Aunque imponente y mutilada como otras versiones, esta última encarnación del monstruo es extrañamente andrógina, inicialmente pálida y sin pelo, como el reptil asesino Feyd-Rautha en Duna: Segunda parte (2024). Pero también cuenta con la fuerza de Hulk o el propio Hell Boy del Toro y la capacidad regenerativa de Wolverine. Abusado por Víctor (¡de tal padre, tal hijo!) cuando no logra dominar ninguna palabra más allá de «Víctor», realmente se gana la ira edípica de su creador cuando aprende una segunda palabra, «Elizabeth», respondiendo a la atención y compasión de este último. Abandonado, él (o “eso”, como lo llama Víctor; los pronombres también son un problema aquí) encuentra compañía con un anciano ciego, aprende a hablar y leer, recita “Ozymandias”, reflexiona. Paraíso perdidorecuerda la traición de su padre y busca venganza.

¿Quién puede culparlo? Un amante de los animales, en sintonía con la naturaleza, deseoso de servir a los demás, consternado por la injusticia, el dolor, la soledad esencial de la vida y el corazón nulo de la existencia, es como nosotros, sólo que más.

Peter Keough Escribe sobre cine y otros temas y ha contribuido a numerosas publicaciones. Había sido el editor de cine de la Boston Fénix desde 1989 hasta su desaparición en 2013 y ha editado tres libros sobre cine, incluido Kathryn Bigelow: entrevistas (Prensa Universitaria de Mississippi, 2013) y Para niños de todas las edades: la Sociedad Nacional de Críticos de Cine sobre películas para niños (Rowman y Littlefield, 2019).